Robert Plant & The Sensational Space Shifters en México

Antes la cada vez más lejana posibilidad de una gira mundial de ¾ partes de Led Zeppelin (más el hijo del Bonzo Bonham);  la visita de Robert Plant a nuestro país (segunda; sin contar la mítica presentación que tuvo, en el lejano 1994 junto con Jimmy Page en el Palacio de los Deportes) causó un revuelo tal que prácticamente abarrotó el Auditorio Nacional y, de haberlo querido, bien pudo haber llenado otra fecha en el mismo local.

Y es que contra lo que se pudiera uno imaginar, las rolas del Zeppelín de Plomo, aun siguen siendo piedras angulares en la educación musical no solo de los que crecimos con ellas en los 70’s, sino de generaciones más recientes como la de los pretenciosos indi-hipsters.

Cierto es que mucho del hype de este revival del rock pesado setentero (sic) está relacionado a que, curiosamente, las nuevas camadas de roqueritos indies, han volteado al blues y, más específicamente, a al estilo pesado y distorsionado de grupos como el Grand Funk, Linyrd Skinyrd, y los citados Zeppelin. Grupos como Black Keys, Kings Of Leon, My Morning Jacket  y hasta el mismo Jack White tienen una deuda muy grande con LedZep y principalmente, con ese genio de la guitarra que es Jimmy Page.

Quizás, por esa razón,  el público reunido la fría noche del 12 de noviembre en el Auditorio Nacional del Distrito Federal era disímbolo en edades, trapos y hasta en la actitud. [No sé porque, pero curiosamente la gente que asiste a conciertos de rock en el Auditorio Nacional, generalmente no es la misma que la que asiste a otros locales de conciertos en el D.F.]

Y es que, por un lado, estaba el target de mercado de los  cuarentones/cincuentones clase media-alta que, desempolvaron las chamarras de cuero, los chalecos de mezclilla decorados con parches de “los Stons, Sabat, Dip Purpul, Dors y (por supuesto!) Led Zeppelin” y que su poder adquisitivo le dio el lujo de pagar las entradas más caras (y cercanas) al escenario. En orden descendente del tamaño del bolsillo (o del limite de crédito de la TDC) estaban aquellos que, en su juventud, fueron roquers y que tuvieron que claudicar a sus sueños de estar arriba de una tarima tocando Black Dog cuando el destino se los merendó y se encontraron un día calvos, casados y con hijos. También había bastantes chavillos; hijos de la bonanza clasemediera mexicana ataviados con trapos vintage setenteros e incluso, algunos con afros monumentales que bien podrían haber pasado como fantasmas setenteros atrapados en la época moderna.

“Nunca me hagas ver aburrido”- Freddie Mercury: El gran pretendiente.

A escasos días de la celebración de su cumpleaños (5 de septiembre) y de su sensible fallecimiento (24 de noviembre); En este mundo de vivillos y compañías disqueras ídem se han editado en DVD y Bluray el documental de Rhys Miers para la BBC: Freddie Mercury: The Great Pretender [Eaglevision, 2012]; un libro de fotografías del mismo nombre y (la cara) reedición del disco Barcelona que grabó con la Diva española Montserrat Caballe. Todos estos artículos, han sido convenientemente lanzados en las vísperas de la muerte del artista y (por supuesto!) la lucrativa temporada prenavideña.

Ahora bien: ¿Que no se ha dicho sobre la comadre de comadres, Freddie Mercury (o Farrokh Bomi Bulsara, su verdadero nombre) que no esté ya consignado en algo más de un par de decenas de libros o cientos de horas en video? Es curioso que aunque (en apariencia) ya casi nada nuevo queda por descubrir de su historia personal, de su éxito con Queen, y de su doloroso ocaso y su muerte a causa del SIDA; aun queden aspectos de su vida profesional y personal que no han sido lo suficientemente explicados y que, como en el caso del documental, permiten una mejor apreciación tanto de la obra de Mercury como solista y también sobre las posteriores decisiones artístico-comerciales (sic)  que los restantes Queenies en activo y su manager, Jim Beach han tomado y han dado tanto de  que hablar; principalmente por  el manoseo de un legado musical que por momentos parece peor administrado que el de nuestro querido Pedrito Infante.

Pero volvamos al tema. Este nuevo documental sobre Mr. Mercury se centra en aquellos años donde, la vida  del cantante se adentró en el mundo fantástico (y cruel) de  las súper estrellas de rock; ese donde el

exceso en todos los placeres posibles es lo único que cuenta… hasta que un día terminas muerto, en la ruina, sin familia o, como en el caso de Freddie, contagiado de una enfermedad incurable y mortal en la peor década del siglo pasada para padecerla.

 

La increible y triste historia de Brian Wilson y su "Pet Sounds"

En la prehistoria de la vida de algunos de nosotros, cuando aun no existían las antenas parabólicas (y menos el internet) y la TV por cable aun  estaba lejos de la llegada de MTV;  el poder satisfacer nuestro apetito por conocer cosas nuevas sobre nuestros artistas favoritos, sobre su música, su vida y hasta los chismes de lavadero de sus horrores más escandalosos solo era posible a través de algunas notas de los periódicos, el radio y algunas revistas especializadas. En México, para los roqueros clavados y uno que otro villamelón, era lectura obligada en los setentas y parte de los ochentas revistas como Piedra Rodante, Conecte, Sonidos y hasta la Notitas Musicales (¡) [por aquello que de presentaba lo más comercial del Rock y el Pop de esos años]; las cuales básicamente se dedicaban a refritear notas de otras publicaciones (principalmente la Rolling Stone gringa y con suerte, algo de la NME inglesa) ; aunque también contaban con textos originales de gente metida en el medio, como José Agustín, Jose Luis Pluma, Walter Schmidt y otros que escapan de mi mente. Finalmente, ante la casi nula oferta en la TV comercial, el radio siempre fue el medio más importante para difundir el material de nuestros rockstars favoritos y, aunque atrasadas, de nuevas bandas que iban tomando cierta notoriedad.

De estas lecturas, recuerdo perfectamente los comentarios sobre Pet Sounds de la Banda de Surf californiana The Beach Boys; donde las opiniones iban de ser considerado como un disco seminal en la hisotoria del rock hasta el desdeño total por su pomposa grandilocuencia que rayaba en lo cursi y aburrido. Durante muchos años me resistí a comprar este album debido a que, francamente, los Beach Boys siempre me parecieron un grupo ñoño en la misma linea que los Monkees. Sin embargo, un día decidí satisfacer mi curiosidad sobre el porque se ha escrito tanto sobre este disco y este es el resultado de esa busqueda.

 

Don’t Think o de como la música electrónica le robo el show al rock.

Hace ya algunos meses que se estrenó en México y en otros países la película Don’t Think de los Chemical Brothers; la cual corresponde en su totalidad a su presentación en el Fuji Rock Festival que se efectúo en un recinto muy famoso para esquiar en la prefectura de Niigata, en Japón el domingo 31 de julio de 2011 donde compartieron cartel con Coldplay, los Kills, The Music (los cuales por cierto, son una banda de extenso culto en las tierras niponas) y Mowai, entre otros actos internacionales y locales.

Dentro de los géneros y subgéneros de la música electrónica (los cuales son amplios y con fronteras bastante borrosas) los Chemical Brothers son, más allá de las etiquetas, un dueto que ha sabido explotar su ingenio en la generación de beats y sobre todo, en el sampleo como una nueva forma de creación musical; generando loops que le dan a sus composiciones una estructura hipnótica y psicodélica.

Sin embargo y a pesar de que en muchas de sus composiciones se pueden encontrar rastros del 4/4 del rock; además de distorsiones y voces cuasi pop, los Chemical Brothers son, para muchos de los adoradores del Dios Rock, un grupo menor debido a que prácticamente toda su música esta creada de manera sintética y (horror!) esta hecha para bailar.

Sin embargo, Ed Simons y Tom Rowland parece que este hecho no les afecta mucho y, amen de seguir generando discos como los Chemicals Brothers, se han dedicado a fortalecer su acto con un espectáculo que podrían bien competir con los de estrellas consagradas como Radiohead.

Y es precisamente lo que Don’t Think quiere dejar claro: Los Chemical Brothers no solo son un grupo para bailar, sino para sumergirse en un show altamente psicodélico donde la tecnología disponible en luz y sonido, produce en cada una de sus presentaciones un efecto similar a un viaje de LSD (que por supuesto, se magnifica con otro  tipo de “estimulantes”).

Metallica: El Musical!

Dedicado a don @Aleuas y a @elcarlos_ad

Parafraseando el Tango “Volver” de Carlos Gardel; Iniciaremos esta reseña diciendo que  30 años si es algo y por supuesto que los Metallicas lo saben: Éxitos, discos de oro, giras mundiales, y sobre todo dinero... muchísimo dinero y la sempiterna adulación de sus siempre leales fans; aunque, por otro lado,  también en esos 30 años ha habido accidentes, muertes, alcoholismo, drogas, el pleito con Napster y mucha mala leche entre sus integrantes. Sin embargo, si algo hay que reconocerle a Metallica es el hecho innegable de que ha podido sortear más o menos las agitadas aguas de su carrera musical y de que, aun con todo, son capaces de aun atraer multitudes a sus shows; a pesar de que la etiqueta de Trash, Heavy Metal u Rock Pesado (sic) con la que se le califica (dependiendo de quien se los pregunte) signifique nada ya para la gran familia mexicana; y que  Enter Sandman sea solo el motivo para hacer cuernitos con la mano y sentirse roquer.

Es de notar que con todo y lo anterior, los fanáticos de Metallica en México son de los más fieles que  tiene la banda y de que fácilmente podrían abarrotar cualquier foro en el que se presente en nuestro país. Por tal motivo, no es de extrañar que exista un vinculo más allá de la mera simple cortesía entre el grupo y sus huestes  mexicanas y de que, por este hecho, Metallica haya podido vender con facilidad 8 noches en el Palacio de los Deportes.

Convenientemente, esta parte de su gira mundial actual (que inicia en nuestro país), se titulo El Arsenal Completo (así, en español) y con todo lo emotivo que esto podría ser para los fans mexicanos; estos ocho shows de Metallica fueron, en realidad,  un ensayo general de la gira.  Efectivamente, México tuvo la primicia de ser testigo de este inicio de la gira; aunque  el  espectáculo estuvo plagado de errores técnicos, de coordinación y sobre todo, de  afinación por parte de los Metallicas.

Galería de horrores del Rock

Los mitos y leyendas surgen (la mayoría de las veces) de hechos reales que, a falta de una cámara o grabadora a la mano, son transmitidos por las memorias y recuerdos de quienes los vivieron y que, poco a poco, los que escuchan estas anécdotas van agregando o quitando hechos hasta el punto que resulta difícil distinguir la verdad de la historia de los detalles agregados; aunque a veces estos resultan más interesantes que la historia real.

El rock ha construido su propia mitología que, mal que bien, se pueden comprobar de una manera más precisa gracias a que existen medios impresos y electrónicos que, después de alguna investigación, nos pueden corroborar la veracidad de las historias más truculentas de los rockstars; quienes, por cierto, tienen una propensión natural al exceso, la extravagancia y la autodestrucción.

Sin embargo, los mitos fantásticos sobre las hazañas sexuales de Jimi Hendrix y su imponente pene, las extravagantes historias del tiburón disecado en el avión de las giras de Led Zeppelin o la extraña confesión de Elvis de que era un extraterrestre y que venía de otro “planeta azul” (sic) son meros chismes faranduleros (pero harto morbo… ejem! divertidos) comparados con la brutalidad de la realidad que, de vez en vez, nos deja ver a nuestros ídolos tal y como son; generalmente por cortesía de algún escandalo que nos dejan atisbar a la miseria interna de estos seres que antes de ser Rockstars, son personas tan comunes y corrientes como nosotros y como tales, están a merced de los mismas tentaciones y pecados que todo el mundo.

Sin embargo, hay algunos de ellos que por la naturaleza de sus actos merecen estar no en el Olimpo de los Dioses sino en una celda por la crueldad, degradación y en algunos casos, el fatal desenlace de sus excesos.

Ejemplos hay muchos; aunque aquí solo van algunos ejemplos de los que distinguieron no por lo excelso de sus obras; sino por lo torcido de su conducta que los llevó a enfrentar el rigor de la Ley.

Señoras y señores! Con ustedes la crema y nata de los rincones torcidos del Dios Rock!

El extraño regreso de Van Halen

A Different Kind of Truth

Van Halen

2012

Interscope Records

Para beneplacito de sus fans que nunca pudieron superar que "Diamond Dave" Lee Roth hubiera dejado la banda que lo vió consagrarse como el bufón más sexoso del rock ochentero en su (supuesto) mejor momento para convertirse en una caricatura de si mismo (cortesía de MTV); Van Halen regresó a los estudios de grabación y en enero de este año, nos entregó su "nueva" (asi, entre comillas) placa: A Different Kind Of Truth.

Podría parecer que Van Halen se une a la enorme fila de grupos y solistas ochenteros que regresan a revivir viejas glorias (y a exprimir bolsillos) con el pretexto de que "lo hacen por los fans". Aunque, en el caso de los hermanos Van Halen, esto no es del todo cierto porque a pesar de que su anterior producción discografica (Van Halen III de 1998) fue un rotundo fracaso, el grupo continúo haciendo giras de manera irregular en Estados Unidos durante la decada pasada (ora si que "nomás pa' fans") incluyendo en algunas de ellas a Lee Roth y en otras a Sammy Hagar; sus dos cantantes más exitosos (Gary Cherone de Extreme es una historia que nadie quiere recordar).

Parece que, ahora que Lee Roth "regresó" a grabar material "nuevo" con sus ex compañeros de banda, la nostalgia hará su trabajo tanto en sus acerrimos fans como en los adultos contemporaneos de hoy; quienes gustosos pagarán los dolares suficientes para ver a "una leyenda" (sic) como lo fue Van Halen.

Y digo fue porque los años de excesos e insanidad de Eddie Van Halen; aparte de sus problemas de salud con el cancer, han mermado considerablemente las capacidades fisicas del músico; al punto que, como comenta Hagar en su libro autobiografico "Red"; la gira de "reunión" de 2004 fue dificil y caotica y sobre todo penosa... pero de pena ajena al ver como Eddie Van Halen destrozaba su propia obra al no poder tocar de manera adecuada ni el más sencillo de sus solos; defraudando al publico que se quedaba con cara de extrañeza al ver la mediocridad con que el propio Eddie no podia tocar  "Eruption".

Ni que decir de la falta de voz de Lee Roth y el deterioro fisico de quien alguna vez fue considerado el "animal más sexi del rock" por su exceso de machismo e hipersexualidad que le desbordaban por todos los poros.

Paul McCartney en el Zócalo: "Son a toda madre"!!!

La Plaza de la Constitución del Distrito Federal; coloquialmente llamada "El Zócalo" es, dentro del imaginario popular de nosotros, los mexicanos el centro del universo de nuestra identidad nacional. No solo por la convergencia de monumentos históricos que entrelazan nuestra toda nuestra historia como la Catedral Metropolitana, las Ruinas del Templo Mayor y el Palacio Nacional y el del Ayuntamiento del D.F. sino porque ahí fue el lugar donde se dio el doloroso parto del México tal y como lo conocemos hoy, con la caída del Imperio Mexica el 13 de agosto de 1521.

Desde siempre, el Zócalo ha sido testigos de importantes acontecimientos políticos, sociales y, en la última década, culturales y hasta religiosos.

México ha cambiado mucho desde esas remotas épocas hasta hoy, pero paradójicamente, nosotros seguimos siendo los mismos seres que nos reunimos alrededor de sagrados sacerdotes que, a través de complejas ceremonias, nos recuerdan que aun hay cosas que nos unen y que, a través de ellas, dejamos de ser individuos para convertirnos en un momento de éxtasis, en una sola voz, una sola persona.

Y el 10 de mayo de 2012, el Dios Rock se hizo presente en México ante una feligresía de más de 200 mil personas a través de uno de sus más grandes Sacerdotes, el Beatle más ambivalente de la "más grande historia jamás contada": Paul McCartney.

La relación de todos los Beatles con nuestro país es, curiosamente, fuerte y decisiva en muchos aspectos de su vida; ya que, por ejemplo, la ultima esposa (y hoy viuda) de George Harrison; Olivia Arias, es mexicana; Ringo Starr conoció a su actual esposa Barbara Bach mientras filmaba en Durango "Caveman" e incluso, grabó con Mariachi "Las Brisas"; un tema dedicado a ese conjunto hotelero en Acapulco y uno de sus poco éxitos como solista. En el caso de John Lennon solo unos pocos mexicanos lo pudieron ver en su clandestina visita a Huatla de Jimenez, Oaxaca cuando visitó a María Sabina para un viaje místico y misterioso con hongos sagrados, donde, según la leyenda vio su futuro y lo plasmo en un dibujo de una pistola.

Rock y activismo social en México

No hace tiempo, The Edge (guitarrista de U2) confesaba publicamente su fastidio sobre el excesivo activismo politico-social de Bono y como esto interfería con las visión artistica de la banda. Y es que el activismo de Bono ha mutado de una manifestación clara de las ideas y sentir del músico a una expresión de su super ego de rockstar; disfrazandolo de "conciencia-politica-social-economica-más-lo-que-se-le-sume-mañana" y que por supuesto! atrae la atención de los medios hasta el punto que, más en sorna que en serio, muchos ya alucinan a San Bono y sus desplantes en pro de la causa de la temporada.

Así como Bono, practicamente todo el que es alguien en el mundo del espectaculo se involucra con la causa social que más le acomode; buscando (por supuesto!) la que los haga "lucir" más. Esto de ayudar a otros usando la supuesta "fama" para atraer la atención del publico (y a posibles donadores), aunque cinico e hipocrita, es especificamente para el ambito del rock, un medio para acallar la contradicción que se genera entre la esencia del genero (rebeldía, rompimiento con los viejos tabues, exploración y experimentación), su esencia como negocio (ser rockstar es un modelo de negocio muy redituable... si te manejas como empresa) y sobre todo, para acallar la conciencia por la traición de los ideales morales y Así como Bono, practicamente todo el que es alguien en el mundo del espectaculo se involucra con la causa social que más le acomode; buscando (por supuesto!) la que los haga "lucir" más. Esto de ayudar a otros usando la supuesta "fama" para atraer la atención del publico (y a posibles donadores), aunque cinico e hipocrita, es especificamente para el ambito del rock, un medio para acallar la contradicción que se genera entre la esencia del genero (rebeldía, rompimiento con los viejos tabues, exploración y experimentación), su esencia como negocio (ser rockstar es un modelo de negocio muy redituable... si te manejas como empresa) y sobre todo, para acallar la conciencia por la traición de los ideales morales y personales por una vida de lujos y excesos.

Pero en nuestro país, tan huerfano de artistas autenticos y tan lleno de rockstarcitos faroles, el "activismo social" de nuestros idolillos de barro es tan patetico que más que generar "conciencia" arranca risas por el chafa histrionismo de nuestros rockstars tratando de convencernos de sus (dudosos) puntos de vista.

Esto viene a cuento porque en la ultima edición del Vive Latino, varios de nuestros aguerridos rockstars decidieron aprovechar el momento politico que estamos viviendo actualmente para convertirse en "tira-netas" en pro de cierto candidato y por supuesto! en contra de los que, a su juicio son unos ojetes al servicio del gobierno y del "gobierno" (sic) en turno.

Sin embargo este acto (estéril de por si) resulta grotesco si vemos que más que una expresión de inconformidad, resulta un acto gastado para acarrearse simpatias del "respetable publico". Aun y con que los mensajes esten dichos como rollos propagandisticos directos (León Larregui de Zoé y su choro pro-AMLO); Los chistes y carrilla y frases harto groseras y comico-magico-musicales,  pero concientizadoras de los integrantes de Molotov o el "fino sarcasmo" (sic) de Cafe Tacvba en voz de su cantante; más los dichos de otros aspirantes a rockstars que entronizados en "voceros de la juventud" decidieron utilizar sus espacios para igualmente quejarse e indignarse contra el gobierno, contra "la guerra de Calderón" (sic) y sus miles de muertos... eso sin contar a los invitados "latinous" que se aventaron el choro demamogo de la "unidad de los pueblos latinos" (sic) y demás mamadencias impulsadas al alimón por los ideologos en los cuarteles generales de Telemundo en Miami y los trasnochados izquierdistas de cafe que todavía esperan la resurección del Socialismo..

Y es que es de ternura el ver como nuestros rockstars aun creen que cualquier festival o concierto donde tocan puede convertirse en su Woodstock personal donde ellos (si: ellos) tendrán la oportunidad de cambiar la sociedad al ser parte del "cambio" escupiendo a través de las bocinas el mensaje que los que estan abajo quieren oir: "PINCHE GOBIERNO OJETE!" y demás variaciones de la misma intercambiando "gobierno" por policia, soldados, marinos, pefepos, politicos, diputados, senadores, iglesia, etc.

Es decir, atras del supuesto "activismo" de ciertos grupos y solistas; hay, en la mayoría de los casos, una pose hueca y sin fundamentos que no pasa más allá de quejarse, mentar madres y... ya.

Eddie Trunk's Essential Hard Rock and Heavy Metal

Hace algunos días en chuirer, el estimado @p3rix afirmaba (palabras mas, palabras menos) que "el Heavy Metal era música para roqueros nacos". Supongo que su apreciación derivaba de que, por la pinta de algunos roqueros "glam metal"; estos bien podrían competir con los más finos exponentes de "la onda grupera" en cuanto pinta estrafalaria. (De seguro, el buen Pericles estaba pensando en Mago de Öz).

Sin embargo, el Heavy Metal y su primo cercano, el Hard Rock son generos sin los cuales no se podría entender la música actual y por supuesto, cosas tan desagradables como Moderatto o incluso tan barrio (sic) como la mayoría de grupos de "rock urbano" (re-sic) del D.F.; que sin querer parecerse al Tri, adoptan las "raices autenticas del rock"(recontra-sic!)... al menos en la imagen "jevi"; ¿o no, mi querido Charly Montana?

Aun y con todos los prejuicios que sobre estos los grupos y sus admiradores gravitan, en el Heavy Metal y el Hard Rock se pueden encontrar, como en botica, de todo: Desde verdaderos portentos de virtuosismo en la ejecución de sus instrumentos, ingenio e intelecutalidad en letras y arreglos y por supuesto, un carisma y magnetismo sexual que se mezcla perfectamente entre cuero y estoperoles; hasta cosas tan, pero tan chafas que igual cuesta trabajo entender como llegaron a alcanzar "fama".

Para entender los satánicos recovecos de esta música, como en la Divina Comedia, necesitamos de un buen Virgilio que, como a Dante, nos acompañe y explique que hay en los nueve circulos del Infierno del Heavy Metal.

La indigestión de los 50 años de Amnistía Internacional

Chimes of freedom. The Songs of Bob Dylan.

Fontana Records

2012

A finales de enero de este año, se editó en Estados Unidos y varios países más el que, hasta este momento, podría ser el disco tributo más extenso jamás producido (73 tracks!) que, más que un agasajo sonoro o celebración del trabajo de Bob Dylan; termina siendo una indigestión donde lo mismo caben nombres consagrados dentro del rock y el pop como Patti Smith, Sting, Pete Townshend que aburridos cantautores y hispters desconocidos (para el mainstream) como Bret Dennen o leyendas (locales, pero leyendas) del R&B, algunos grupo y solistas chingones como Queens of the Stone Age, Elvis Costello y Johnny Cash hasta cosas tan desconcertantes como Lenny Kravitz, Adele, Ximena Sariñana (yuck!) y cosas insólitas como eso que se llama Mariachi el Bronx.

Pero como dijo el descuartizador: vámonos por partes. El motivo de la reunión de tantos y tantos cantantes y grupos es la de homenajear, por un lado, el trabajo artístico de Bob Dylan y, por otro, festejar también los 50 años de Amnistía Internacional; esa ONG mundial de fama sobradamente conocida. Según los boletines de prensa de la propia organización; los interpretes del álbum son activistas de Amnistía Internacional (o en su caso, donantes) y gratuitamente, grabaron y cedieron los derechos de su trabajo para la producción de este álbum. De igual manera, Dylan cedió los derechos de sus letras (y en algunos casos, los arreglos) de sus canciones para el mismo fin.

El hacer versiones de canciones de Dylan no es algo nuevo ni tampoco novedoso y que muchos artistas, han logrado con diversos grados de éxito. Ahí están pues los covers de Jimmi Hendrix, Guns’n’Roses, U2 o hasta My Chemical Romance a diversos temas del señor Zimerman; y que decir también de la influencia que Dylan tuvo en artistas de la talla de los Beatles; los cuales de no haberse topado con un Dylan que les enseño la magia de la marihuana; no habrían pasado de ser otros Herman Hermits; o incluso debrayes monumentales (pero harto sentidos) como el de Bryan Ferry con su álbum “Dylanesque”.

Caprichos de un rockstar senil: Kisses on the Bottom – Paul McCartney

Kisses on the Bottom

Paul McCartney

Hear Music

2012

De un tiempo a la fecha, Paul McCartney ha adoptado la rara (y ya a estas alturas, chocante) muletilla de invocar a su pasado como Beatle y sobre todo, la de involucrar al fantasma de John Lennon para justificar muchas de sus decisiones artísticas actuales: Ya sea desde el desenterrar viejas canciones, su forma actual de componer y grabar instrumentos o como ahora, la justificación de hacer un disco de canciones añejas que (según el) las escuchaba de niño (y también John) y que se volvieron influencia importante en su trabajo posterior como Beatle y en solitario.

El día de hoy, oficialmente, es el lanzamiento del nuevo disco de Sir Paul McCartney; Kisses on the Bottom que se puede traducir como besos hasta el fondo. El  titulo que se extrae de un párrafo  de la letra de una de las canciones del disco (I'm Gonna Sit Right Down And Write Myself A Letter) y que, en todo caso, se entendería (en el contexto de la canción) como una frase amorosa de reconocer que uno es un chingón escribiendo cartas a uno mismo.

Por si mismo, este horrible nombre del álbum  ya tiene un lugar seguro en la lista de los peores títulos de discos de todos los tiempos; porque (no se si a deliberadamente así escogió Paul el nombre del disco) la frase podría entenderse como besos en el trasero… cosa que igual tiene sentido (si se lee en el contexto del caló gringo )si lo que se trata es de homenajear a las canciones que se incluyen en el disco, aunque en México y otros países, invita más al doble sentido.

Y es que, como el propio Paul explica, su intención fue hacerle un homenaje a aquellas canciones que, en su niñez y en la de Lennon, fueron gran influencia para su posterior desarrollo como los Beatles; aunque, con todo, su disculpa anticipada fue la de decir: “Hombre! Si no hago esto ahora, entonces nunca lo haré”.  Y así, de esta premisa del ahora o nunca sale el que quizás sea el peor proyecto en solitario de Paul… aun peor que su fallida aventura fílmica Give my regards to Broad Street (1985).

¿Crecerá algún día el rock mexicano?

Ahora que, por razones que no vienen al caso, estoy (y estaré) de ocioso en mi casa; me puse a navegar por los internetz en un afán de probarme a mi mismo que durante 2011 si hubo grupos, discos o al menos, una pichurrienta canción que, de manera unánime, la comunidad blogera nacional pudiera considera lo mejor del rock mexicano en 201”.

Recorrí algunos sitios de revistas como Marvin, Rolling Stone y otras, donde ciertamente en sus recuentos de los mejor de 2011, hay apartados para la música roquera nacional. Sin embargo, después de revisar los listados, terminé intuyendo los criterios de selección y de quienes confeccionaron dichas listas; quedando claro que sus criterios son más proclives a reconocer a sus cuates o amigos de los amigos que algo que de verdad valga la pena.

Considerando que, en esta época digital donde el poder es igual al numero de “likes” que se le pueden dar a tu pagina (si les gusta); opte por revisar lo que sobre el particular tenían que opinar muchos paisanos que, así como yo, decidieron un día abrir un blog para tirar netas, pitorrearse de los demás, dar sesudas explicaciones o escribir las pendejadas que se le dieran la gana sobre el rock en general y, en algunos casos, del rock nacional en particular.

Curioso es que, si por ejemplo ponemos en Google “mejores discos de rock mexicano en 2011” la mayoría de las entradas están relacionadas con hacer recuentos no del año en cuestión, sino del rock mexicano de todos los tiempos (sic). Así pues, solo encontré un par de sitios donde se hacía referencia a lo mejor del rock mexicano en 2011. Resalta por su originalidad el de http://profetaproducciones.blogspot.com/2012/01/lo-mejor-del-rock-mexicano-2011.html , que se especializa en rock urbano (sic).

De sueños siameses y calabazas aplastadas: (casi) 20 años del Siamese Dream

Cuenta el propio Billy Corgan en las notas de las reediciones de sus primeros dos discos, aparecidas a finales del año pasado, que a el su álbum debut Gish [1991]  no le gustaba debido a que eran algo así como un grupo que “sonaba a Zeppelin, Sabbath… sin sonido propio”.  A pesar de lo autocritico que era Corgan con su trabajo, Gish (editado en la disquera independiente Caroline Records) fue la carta de presentación que los hizo firmar con Virgin Records, una subsidiaria de EMI. Gish, en su encarnación independiente, no vendió lo suficiente y como parte del trato con Virgin, se edita una nueva mezcla del mismo mas “grunge”. Además, los Pumpkins empiezan a despegar y dejan de ser una bandita "de culto" en Chicago para embarcarse en una gira promocional por todo Estados Unidos y Canadá. Impulsados por el “efecto Nirvana”; la prensa gringa les pone el irónico mote de los nuevos Nirvana; principalmente por la ferocidad que despliegan en sus presentaciones; misma que es atizada por el uso de drogas duras como la heroína; de la cual su Baterista Jimmy Chamberlain es adicto.

Seguros de que tienen a “la siguiente gran cosa” de la música, Virgin decide que los Smashing Pumpkins serán “su Nirvana” y deciden apoyar al grupo; pero con condiciones. En palabras del propio Corgan, el destino de los Pumpkins se definió en una reunión con los ejecutivos de Virgin y ellos. Los P&R de Virgin sugirieron que deberían de grabar un “GIsh II” pero más comercial. Corgan continua el relato diciendo que, en cierto momento de la reunión, alzo la voz para indicar que si lo que querían era un disco exitoso; no necesitaban otro Gish; entonces, les pidió a los ejecutivos que tuvieran confianza en el y que le dieran la libertad artística (y el dinero suficiente) para grabar lo que el grupo quisiera. Después de muchas deliberaciones, Virgin acepto pero con la condición de que el disco fuera producido por alguien reconocido; así que la elección no fue muy difícil: Butch Vig; quien entre sus credenciales, además de haberle producido su primer disco, tenía la medalla de haber producido el Nevermind de Nirvana.

EL ULTIMO TREN DE LA ALEGRIA

Buñuel decía que “la ilusión viaja en tranvía”; aunque ciertamente, si viviese en estos tiempos de (supuesta) libertad sexual, no sé qué impresión tendría de lo que sucede en los calientes túneles del metro de la Ciudad de México; donde muchos bajan (sin albur) a satisfacer las ansias del sexo anónimo y la sucia emoción de ser y dejarse ser en los brazos, piernas, nalgas y demás partes que la personalísima geografía corporal asigna como puntos de placer y lujuria a los cuerpos apretujados dentro de un humedo y caliente vagón.

En los túneles del metro, como extensión de la vida que sucede arriba, hacemos de cuenta que sucede nada. Es decir, la indiferencia ante los demás es más que evidente en ese espacio reducido. Te pueden asaltar o golpear y nadie vendrá a tu auxilio… aunque de igual manera, si buscas “amor” bastará con que te dirijas al último vagón y entres en el mundo de las metreras.

En realidad, el término “metrera” es relativamente nuevo, aunque su práctica (quizás) date desde la inauguración de este medio de transporte en el DF. Metrear originalmente se definió como la práctica de ligar dentro de las estaciones del metro… y de ahí a donde el destino nos lleve manas!!! (Que por cierto podría ir desde la cama de un hotel, el asiento de un auto o en el peor de los casos, la fría plancha del SEMEFO). Esta práctica fue clandestina hasta relativamente poco (digamos que cuando las jotas empezamos a “empoderarnos”) y por otro lado, para las comadretz mas atrevidas, el practicar el sexo oral, anal o cuando menos, un faje rápido, era el “premio mayor” si las condiciones eran las adecuadas; a saber: Alta hora de la noche; vagón vacío y la calentura suficiente como para mandar los escrúpulos a la chingada y arriesgarse a hacerlo.

Como les decía, hasta hace algunas décadas, el “vagón de la alegría” (que así se le conocía al último vagón de la línea 1 del metro) era más bien un lugar mítico que generó leyendas dentro de la joteria capitalina donde el asombro, el morbo y la curiosidad fue moldeando leyendas como la de la jota insaciable que puntualmente estaba a las 11 de la noche, todos los días, en la estación Insurgentes y que con una sola caída de sus ojos te podría invitar para un viaje de placer de 2 minutos; que era el tiempo que el tren tardaba de cambiar de vía en la terminal Observatorio del metro. Por supuesto que muchos weyes jurarían que la vieron y pocos más, que tuvieron el gusto de compartir el numerito con ella. Lo cierto es que como todas las leyendas, la verdad era a veces más prosaica que la fantasía tejida alrededor del hecho… hasta hace poco.

De un tiempo para acá, la fantasía del sexo gay ocasional y furtivo dentro de los vagones del metro dejó de ser un mero mito a una realidad que sobrepasa incluso lo que uno podría pensar como “posible” en un espacio como tal y sobre todo, a la vista de tanta gente. Bienvenidos al reino de la cajita feliz… bienvenidos al mundo de las metreras.

Las metreras ya no son los cazadores de hombres que discretamente, se escondían en los andenes del metro para furtivamente lanzar con miradas indiferentes códigos secretos que solo los entendidos podrían descifrar. Eso ya es cosa del ayer y ahora, las metreras se organizan para convertir el último vagón en lugar de los más intensos juegos sexuales y si se puede, improvisado set de filmación de anónimas estrellas porno gay. Algunas de estas profesionales del sexo en el metro exhiben sus “triunfos” ya sea dejando correr su fama en los antros gays de moda y otras, colgando videítos en páginas de sexo gay.

Dicen que cuando algo se vuelve muy popular deja de ser divertido y este es el caso del metreo. Actualmente, de tan popular ha caído en los excesos propios de la decadencia y resulta obvio que incluso, dejo de ser algo espontaneo para convertirse en provocación barata o incluso, en perversión. Por ejemplo, alguna comadretz me ha referido las “hazañas” del joto que se faja a escuincles de secundaria… a las 12 del día, pegado a una de las puertas del vagón, a la vista de quien lo quisiera ver.

Por esa razón, el Gobierno del DF y la administración del Metro, tomaron hace tiempo la decisión de que, a partir de las 9 de la noche al cierre, se ha prohibido el acceso a los últimos vagones del metro; como una medida precautoria para evitar, dentro de lo posible esta práctica.

Por supuesto que esto ha generado reacciones y polémica. Por un lado, ciertos colectivos de jotitas pusieron el grito en el cielo porque consideraban que sus derechos estaba siendo afectados; ya que según ellas, el cerrar el ultimo vagón era un claro acto de homofobia (por supuesto que las comadretz se hicieron de la vista gorda sobre lo que “realmente” estaba pasando en dichos espacios) y se sintieron agredidas porque, a según de ellas, el siguiente paso, era prohibirles la entrada al metro.

Y por otro, fue la reacción de varias organizaciones católicas que encontraron en este acto una razón más para atacar a los jotos vía la descalificación sistemática de que nuestro “estilo de vida” nos impide la convivencia con los demás y que considerando el peligro que somos (para los heteros, claro está) el gobierno decidió cerrar ese vagón del metro… con las consecuentes molestias para todos.

A la molestia e indignación de las jotas que ven en esto un acto de homofobia, les diría que creo que ya es tiempo de que le empiecen a bajar dos rayitas a sus pretensiones de sentirse a cada rato como Juana de Arco a punto de ser quemada como mártir. No por el hecho de que hayamos obtenido en los últimos años reconocimiento y cierta tolerancia eso implica ponerse estúpidas y pensar que en todo lo que se hace (en apariencia) contra nosotros hay un tinte de homofobia. En este caso, simplemente se trata de que el metro no es como las “casitas” o cuartos oscuros y que simplemente, no están diseñados para tener sexo dentro de sus instalaciones.

Sin embargo, no se le puede poner diques al mar y mucho menos a aquellos que sienten una adicción por el sexo en lugares extraños. Posiblemente, en algunos años, el sexo gay en las oficinas de gobierno sea lo que este de moda … si no es que ya sucede!

[Publicado originalmente en Blog.com.mx el 14 de febrero de 2011]

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Queen: Days of our lives

Como recién mencionamos en el post anterior; en 2011 se “celebró” (así, entre comillas) el cuarenta aniversario de la formación de la banda británica de rock Queen con diversos eventos y por supuesto, el relanzamiento de prácticamente todo su catalogo de álbumes (excepto algunos en vivo), una exposición de fotos, libros y, casi fuera de programa, la transmisión en la BBC de un documental sobre la banda. Estas “festividades” pasaron (al menos en Estados Unidos, gran parte de los países hispanoparlantes y por supuesto, México) prácticamente desapercibidas debido principalmente a la falta de una campaña de promoción a la altura de la celebración por parte de su nueva disquera (Universal/Island); la cual, al menos en nuestro país, solo editó las nuevas ediciones del catalogo de Queen (las cuales, en cuanto a diseño están horribles) y a finales de año, lanza en DVD y Bluray el documental de la BBC “Days of our lives” casi por mero compromiso y absolutamente nada de publicidad… vaya! Ni un pinche anuncio o mención pagada en circulo mixup! (Nota al calce: según Brian May y Roger Taylor, el trato con Universal fue el mejor posible que pudieron hacer… ya quisiera yo saber como era el “peor”).

Este documental de dos horas de duración y que se transmitió en dos partes durante mayo de 2011; narra de manera condensada (y a veces demasiado superficial) la historia de la banda a través de la recolección de memorias y anécdotas armadas dentro de una estructura cronológica contada, principalmente, por Brian May y Roger Taylor (Guitarra y Batería de Queen) a través de nuevas entrevistas realizadas exprofeso para este documental; así como una extensa recopilación de notas de prensa, televisión; presentaciones y, por supuesto, entrevistas antiguas de la comadretz Mercury y de John Deacon; bajista del grupo el cual, por cierto, se ha negado sistemáticamente a volver a aparecer de manera publica; ya sea en solitario o como parte de lo que queda de Queen. Adicionalmente, incluye algunas otras entrevistas con personajes clave en la historia de Queen, como ex managers, roadies, productores y una que otra celebridad.

Lo más mejor y pior del rock en 2011

2011 ya se fue desde hace unas cuantas horas y a fin de aprovechar que las “rebajas de enero” (Sabina dixit) podrían aplicar igual para discos, vinilos y descargas electrónicas demos un recorrido por lo mejorcito que, en cuanto a rock, fue editado en el mundo mundial y, de igual manera, veamos lo peorcito que se editó a fin de que estén ustedes avisados y al final, nose quejen de que “alguien” no les dijo sobre la calidad del disquito.

2011 fue otro año de espera en pos del “nuevo sonido” que le dé la patada que necesita el rock en la cola; toda vez que este se encuentra en el letargo inducido por ese invento de las compañías disqueras que es el “indi” y por otro, el acorralamiento y alineación del “neo-Disney-rock” que ha hecho del “rock” un asunto familiar y domesticado.

En el panorama nacional, es tan abrumante la cantidad de banditas indi-hipster que el fenómeno solo puede ser comparable con la nula calidad de las mismas. Tristemente, ningún de los “trabajos” (es un decir) de estos niñitos jugando a ser rockstars dejó al menos, alguna canción memorable.

Nuestra realidad musical es tan pobre que cosas como Moderatto; junto con Alejandra Guzman, Jenny Rivera y Mana, son los auténticos “Rockstars” de los que podemos presumir… y habrá quien se lo crea!

Pero comenzemos ya con el conteo…