En las dos entregas anteriores, abordamos el suceso de dos bandas emblematicas de lo que la mercadotencnia denomino como "Grunge"; termino que, visto a la distancia, resulta añejo y pasado de moda. Sin embargo, Nirvana y Pearl Jam; con sus puntos a favor como músicos y voceros de una generación que (en su momento) parecía perdida y también con sus errores, estancamientos y hasta repeticiones del mismo sonido fueron lo más visible y comercial de este estilo que dejó no solo una estela de buenas canciones, algunos albumes memorables y otros interpretes disgnos de destacar como Soundgarden, The Afghang Wigs o los mismisimos Mudhoney (que aun siguen vigentes); sino una nueva manera de abordar los nuevos estilos que se desarrollan dentro del rock y que ahora, tienen la etiqueta de "indies".
De los circuitos de clubs, bares y pequeñas salas de concierto salen los nuevos "rockstars" que sueñan con comerse el mundo a puños vía el "descubrimiento" de algún A&R de alguna compañia disquera grande que se haya interesado en ellos vía de algún disco o demo publicado en algúna compañia independiente o, en estos días de alta tecnología, a través de su myspace, fesibuc, yutub, et all.
Es decir, la música "independiente" ya no lo es tanto debido a que esquemas de comercialización como los de Subpop; con su toque tan artesanal; fueron copiados y mejorados por las propias compañias disqueras, las cuales comenzaron a "sembrar" sellos discograficos "independientes" para atraer, cual moscas a la miel, a los grupos nuevos que pronto se convetirian en la los proximos lanzamientos estelares de las compañias de discos.
Caso claro es el de Bush; grupo ingles que, copiando todos los cliches del estilo "grunge", mezcló baladitas y sonidos más domesticados para el oido promedio adolescente; logro un exitos importantes aunque no solo por la música; sino por la imagen sexualmente vendible de su cantante, Gavin Rossdale; o cosas como Collective Soul, quienes bastardearon el sonido pesado de Pearl Jam hasta volverlo un revoltijo pop que con sus bien logradas armonías, distrosionó la essencia del movimiento hasta dejarlo en nada.
Sin embargo... este es el ciclo natural del rock; donde los nuevos sonidos son tomados, domesticados y vendidos a las masas para su consumo. El grunge tuvo la "distinción" de ser además, arquetipo de moda juvenil y referente cultural de un momento dificil no solo para los veinteañeros gringos; sino para muchos mas en otras partes del mundo que se encontraban con el desencanto de estar estancados en un mundo consumista, viviendo en casa de sus padres y sin ningú (aparente) objetivo en la vida.
El tiempo probó que, a pesar de todo el pesimismo que rondaba a la generación X, para la mayoría de los "loosers" que inmortalizo Beck en su famosa canción del mismo nombre, el sentimiento se diluyó cuando, ironicamente, la generación X se casó, tuvo hijos, responsabilidades y gustosa, se tiró de cuernos a una vida parecida a la de sus padres encontrando el santo grial de su generación en las promesas engañosas de la internet.
Sin embargo; nada es para siempre y parece ser que la revancha de los "no ideales" de la epoca grunge, han regresado con un desencanto brutal en la figura de los "indignados"; esos manifestantes que han perdido la fe en el pilar del capitalismo moderno (el sistema financiero mundial) y a través de sus protestas han decidido hacer presente de nuevo el sentimiento de que el futuro no existe y que la vida actual es una reverenda mamada... igualito que en los tiempos del gronch. Sin embargo, a diferencia de el movimiento musical de seattle, aun los indignados no han tenido una voz que, através de sus canciones, de algún sentido a su lucha social.
... posiblemente, esos nuevos rockstars están ocupados en aparecer en MTV...
Parte 2. Sin fecha de caducidad: Pearl Jam y sus 20 años.
En la entrega anterior, comentábamos acerca de la debacle
casi instantánea del gronch al salir al mercado el disco que lo hizo accesible
a las masas: Nevermind, de Nirvana; donde su exposición excesiva tanto de
imagen como de música ocasiono una explosión de agrupaciones grunge; la
mayoría de ellas, creadas por las propias compañías de discos.
Sin embargo, sería injusto el etiquetar a todos los grupos
que surgieron posteriormente al Nevermind como meros imitadores o arribistas;
aun y cuando algunos ya tenían tiempo dentro de la escena musical nativa de
Seattle.
El caso más claro de este fenómeno, es Pearl Jam; a quienes
los más rabiosos críticos de las revistas musicales que se sumaron al
movimiento grunge (y que proclamaban haber sido los primeros en descubrirlo;
como la infame Smash Hits) los calificaron de oportunistas cuando en el 92,
su disco debut Ten (Epic, 1991) se encumbró en las listas de popularidad
gracias a sus exitosos sencillos Even Flow, Alive y por supuesto, esa oda
oscura al bullyng y las familias disfuncionales que fue Jeremy.
La excesiva exposición de Pearl Jam en los medios; impulsada
por el fenómeno Nevermind de Nirvana les generó tanto legiones de fans
alrededor del mundo como odios incluso en las propias agrupaciones nativas de
Seattle. Para muchos, era claro que Pearl Jam era un grupo artificial que
explotaba mejor que el promedio de bandas la estética Grunge gracias al carsima y
presencia de su vocalista, el californiano Eddie Vedder. Incluso huboquienes erróneamente asumen que Pearl Jam es
un grupo de California que se fue a Seattle para generar fama.
Douglas Coupland escribió, sin proponerselo, el que es quizás el último manifiesto social de la decada pasada, en forma de novela. "Generación X" (1991) es la obra donde Coupland hace una critica acida y mordaz contra el estado de animo, conciencia, estilo y sobre todo; la forma en que la vida moderna se asimila por la juventud gringa de finales de los ochentas en la forma de reflexiones sobre la vida de 3 veinteañeros gringos que viven juntos en un conjunto residencial en el desierto de Mojave, California donde tratan, por un lado, de darle sentido a su vida y por otro, pasarse el tiempo criticando y quejandose de la vida que les toco vivir pero sin el menor intento de renunciar a las comodidades propias de su clase social.
Esta narrativa ficticia se convirtió en una "declaración de no-principios" de una generación que, gracias a la TV, el internet, la comida chatarra, la ropa de marca, los lujos instantáneos, las familias disfuncionales y sobre todo, la cinica estetica consumista que nos rodea de forma global; vivía una existencia aburrida, apatica y sin una real conciencia de que hacer con sus vidas.
Andy Palmer, Claire Baxter y Dagmar Bellinghausen (los protagonistas principales de este relato) representan el sentir de la primera generación que creció con todas las comodidades materiales y tecnologicas de la vida moderna (tal y como la conocemos hoy) y que se encuentran en la constante contradicción entre la apatía y la necesidad de seguir conectados con todo aquello que (aparentemente) odian y que sin embargo, forman parte de su vida; aun en su relativo "alejamiento de la vida material".
Coupland, quién es de nacionalidad canadiense, posiblemente jamás tuvo en mente el escribir su libro pensando que este se convertiria, sin quererlo, en sinonimo de un movimiento musical que, curiosamente, en 1991 tuvo su momento de mayor trascendencia comercial y cultural: ElGrunge.
Parte 1: "Touch me, I'm Sick"
Contrario a la creencia popular; el Grunge, como estilo musical, no nació el día en que "Smell Like Teen Spirit" entró (como video) en la alta rotación de MTv en 1991. Tampoco cuando Nevermind (1991, Geffen Records) fue certificado como disco de oro por su millon de copias venidas ni tampoco cuando despues del éxito del Nevermind, la escena musical comercial se innundó de grupos Grunge como Pearl Jam, Soundgarden, Los Stone Temple Pilots o Mudhoney.
En realidad, las raices del Grunge vienen de inicio de los ochentas con grupos como el propio Mudhoney, los Melvins y un par de grupos seminales para el sonido de Seattle: Malfunkshun y Green River.
Malfunkshun fue un grupo de hair metal punk que lideraba Andrew Wood . Malfunkshun tenía un sonido pesado, con influencias de Kiss y una actitud algo punk. Sin embargo, la adicción de Andrew a las drogas disolvió el grupo a mediados de los ochentas, para reformarlo al poco tiempo bajo el nombre de Lords Of The Wasteland y posteriormente, como Mother Love Bone. Esta nueva alineación incluye a Jeff Ament y Stone Gossard. Estos musicos habían tocado tambien en otro grupo importante para el desarrollo de la escena musical de Seattle: Green River, mismo que incluia a Mark Arm y Steve Turner, ambos miembros de Mudhoney.
Con Mother Love Bone y Green River, se dan los cimientos formales de lo que posteriormente se conociería como Grunge y que estaba fundamentado en un una mezcla entre la pesadez del heavy metal, la rapidez y distorsión en las guitarras, el uso de melodías cuasí pop y letras donde practicamente el mensaje era que todo era una mierda y donde nada valía la pena... más que beber, echar desmadre y pitorrearse del "stablishment"... pero sin salirse de el.
El desarrollo del Grunge está tambien ligado a Sub Pop; disquera independiente que comercializaba, via correo, las grabaciones de la escena de musica "no comercial" no solo de Seattle, Washington; sino de otros estados. Los tirajes de Sub Pop eran limitados y generalmente en casette y vinyl (mismos que hoy son altamente cotizados por los coleccionistas) y de manufactura casi artesanal. De igual manera, gran parte del exito de la "estetica grunge" tiene que ver con el trabajo del fotografo Charles Peterson; quien a través de sus fotografías en blanco y negro de la escena musical de Seattle. Esta estética particular de fotografias sobre expuestas y "borrosas" le dió un aura mistica al movimiento musical de Seattle y hasta nuestros días, sus fotos están indivisblemente ligadas al "gronch". El trabajo de Peterson se puede apreciar en su sitio web http://www.charlespeterson.net/ .
Aun con todo, la escena musical de Seattle estaba lejos de convertise en punto de atención mundial debido a que, en todo caso, era aun muy local su influencia. Ante este panorama, Michael Azzerad, un periodista musical "alternativo", convence a Bruce Pavitt, cofundador de Sub Pop a realizar un trabajo de difusión internacional del movimiento musical de Seattle, principalmente en Inglaterra; donde consigue, entre otras cosas, que el mitico e influyente DJ John Peel se interese en el movimiento; grabando para su programa de sesiones para la BBC a algunos grupos del catalogo de Subpop como Mudhoney y Velocity Girl.
De esta forma, la maquinaria se empieza a mover y el Grunge deja de ser un movimiento local para adquirir su estatus de movimiento musical global. Lo anterior, por supuesto que atrajo la atención de las grandes compañias de discos que empezaron a fichar a actos "alternativos" como Soundgarden (el primer grupo grunge firmado por una gran compañia), Alice In Chains, Pearl Jam y por supuesto! Nirvana.
El caso de Nirvana es por demás singular; considerando que no necesariamente era "el grupo" representativo de la musica de Seattle; aunque si el que tenía una idea mas clara sobre lo que quería hacer, musicalmente. El sonido de Nirvana es una mezcla clara de las influencias de sus integrantes que iba desde la pesadez de Black Sabbath, el punk agresivo californiano, el interes por las melodías de los Beatles, el uso casi salvaje de la guitarra a la Sonic Youth y la facilidad de construir melodías filosas como los Pixies; entre otros. Adicionalmente, la enigmatica y a veces criptica forma de escribir de su lider Kurt Cobain más su innegable carisma, hacían de Nirvana un diamante en bruto que solo requería limar unas cuantas aristas para convertirse en el estandarte de la "musica alternativa" y a su lider el mesías renegado de una juventud falta de idolos que verdaderamente fueran "reales".
Nirvana firma con Sub Pop y graba un par de sencillos antes de pasar a crear su primer LP "Bleach" (Sub Pop, 1989) bajo la producción de Jack Endino, el cual es para muchos, uno de los creadores de ese sonido tan peculiar de los grupos Grunge. Con Bleach, Nirvana empieza a tener reconocimiento casi instantaneo y un culto subterraneo que va practicamente de boca en boca a partir de sus explosivas y caóticas presentaciones. Además de Cobain, Nirvana estaba formado por Chris Novoselic en el bajo y Chad Channig en la batería; sin embargo, Channing abandona el grupo por "diferencias religiosas"[sic] (según lo comentaron en la revista Smash Hits los otros miembros del grupo) poco antes de las grabaciones de su siguiente disco; siendo sustituido por Dave Grohl.
Cobain, para ese momento, empezaba a resentir lo que sería una constante posterior en su carrera: El acoso de la fama y las contradicciones que eso implicaba en su visión como artista y persona. Y es que el exito de Blech llamó la atención de Geffen Records; quienes inmediatamente los ficharon y de alguna manera, los presionaron para la realización de su siguiente trabajo.
Nevermind sale al mercado en 1991 y ayudado por la extensa publicidad alrededor del mismo, se convierte en un exito comercial para Nirvana y en la proverbial "piedra de toque" que abre la puerta a las masas a un movimiento musical que pronto sería copado por los medios, las compañias de discos y... la moda.
Cameron Crowe, filma en esos años "Singles" una comedia semi amarga sobre la vida de varios jovenes viviendo en Seattle y donde, de alguna manera, se retrata el estilo de vida de los musicos Grunge al aparecer algunos miembros de Pearl Jam y Alice in Chains. "Singles" estuvo un tiempo enlatada porque, a decir verdad, fuera del contexto "Gronch" no tenía un gancho comercial del cual poder asegurar al menos los gastos de producción. Sin embargo, con el "boom" de Nervermind, Paramount decide lanzar la pelicula y se convierte en un exito en taquillas; cautivando sobre todo por la "estetica" de los trapos utilizados por los personajes.
Y asi es como laas camisas de leñador, las bermudas baratas, las botas Doc Marteens y en general, cualquier prenda que pareciera "casual y desaliñada" entran dentro del imaginario grunge. La influencia es tal que el Grunge está en todos lados: Desde la Tele hasta los periodicos respetables; pasando (por supuesto) por canales como MTV quien literamente arranca de sus programas "de culto" como "120 minutes" o "Headbangers Ball" a estos desconocidos grupos hacia su rotación diaria.
La debacle del movimiento, viene precisamente por esta sobre exposición del mismo; llegando incluso a generar que muchos músicos emigraran a Seattle para hacerse pasar por "bandas grunge" y tambien, porque la propia industria, comenzó a generar sus propias bandas Grunge con un sonido bastardeado y cinicamente comercial; en un afan por abarcar más mercado.... pero de eso platicaremos en la siguiente entrega.
Y para documentar un poco esos años de explosión a la fama de Nirvana y el Grunge, les dejo el trailer del documental de Nirvana Live! Tonight! Sold Out!
"Oyes gorda (sic); quesque hay un disco solista de Brian May con Eddie Van Halen?- Me pregunto cierta vez un joto amigo mio; entachado y hasta su madre de vino tinto. "Claro que si existe; aunque la verdad, poca gente sabe de el"- le respondí tratando de evitar el tufillo de su aliento de alcoholica. "Ay pinche gorda mentirosa! Con tal de no quedar mal; te inventas esas cosas!"- Me respondío la estupida esa al mismo tiempo que se deba vuelta para en seguida ponerse a bailar, como poseida, "Pump Up The Jam".
Esto pasó en 1989 y desde entonces, más de una persona me ha preguntado sobre si existió tal colaboración y como es que practicamente nadie sabe de ese album.
La realidad es que solo los "fans from hell" de Queen pueden asegurar con firmeza que tal trabajo existe y por supuesto! tienen una copia del mismo para comprobarlo.
Para saber el porque de tan peculiar (e irrepetible) "jam session" que terminó convertida en un disco oficial; es hora de abrir el baúl de las rarezas del mundillo del rock; ese mismo que cuenta historias que no sirven para una chingada en la vida... ah! pero como nos emociona escuchar!
Waylon Smithers, además de ser el eterno enamorado gay del Señor Burns (en la serie de los Simpsons) es un coleccionista obsesivo de la "Stacy Malibu"; una muñeca parodia de Barbie. El comportamiento compulsivo del Señor Smithers por tener "todo" sobre la Stacy Malibu, es muy similar al que todos los que de igual manera somos coleccionistas de "algo": Desde monedas, tmbres postales y (por supuesto!) discos.
Somos los coleccionistas tan obsesivos que caemos facilmente en el garlito de comprar, una y otra vez, el mismo articulo porque tiene caracteristicas "diferentes" como por ejemplo... "un sombrero nuevo!"
Y es así como las compañias de discos han encontrado la manera de vendernos, una y otra vez, el mismo disco bajo los pretextos que van de lo técnico como la famosa (y choteadisima) "remasterización" hasta cosas más vistosas como empaques especiales, tracks adicionales, discos extras, combos de "disco de vinyl más CD más DVD más Bluray más descarga digital más...etc" o incluir articulos promocionales como playeras, USB, pines, postales, posters y... bueno! la lista es tan grande como puede ser de ingenioso el departamento de marketing de cualquier compañia de discos.
Dentro de este amplio espectro de "ediciones especiales" resalta (por obscena) las nuevas "reediciones" del catalogo completo de uno de los iconos del rock de todos los tiempos: Pink Floyd.
Alrededor de PF se ha creado una pomposa y artificial aureola de que majestuosidad sobre la calidad de su musica; creando "leyendas" tales como que, si puedes entender el significado de cualquier disco de PF, eres capaz de entender cualquier tipo de música o de que sus obras son de una calidad inmaculada; donde quién se atreva a poner en duda siquiera la intención de su más mediocre disco ("A Momentary Lapse Of Reason") comete un pecado tal que el mismisimo Dios Rock en persona baja y te da tus madrazos por pendejo.
Mucho de este "hipe" de Pink Floyd tiene que ver con el indiscutible genio y calidad de su ilustrador de cabecera, Storm Thorgeson, el cual si bien no ha participado en el diseño de algunas de las caratulas más famosas del grupo; si ha sabido reintepretar las mismas y adicionarle muchas de la parafernalia psicodelica-surrealista y hasta cierto punto pretensiosa que rodea actualmente la obra de Pink Floyd.
Y esto viene a cuento porque... si señores: Pink Floyd vuelve a reeditar todo su catalogo de discos en estudio en un estrategia comercial destinada a exprimir una vez más el bolsillo de sus fans y de paso, del escucha casual que nomás por no verse ignorate de la música, posiblemente adquirirá lo "mas conocido" de Pink Floyd pa apantallar a los cuates de que "el si sabe de musica".
Esta nueva reedición basa su creación en el sobado garlito de que se ha remasterizado todo el catalogo del grupo utilizando el "state of the art" tecnologico disponible y que, adicionalmente, utilizó a James Guthrie, su ingeniero de grabación de cabecera para (ahora si) darle a la música de Pink Floyd el sonido que se merece.
No conforme con eso, estas nuevas ediciones vienen en empaques "digipak barato" con la promesa de que el "arte" del disco es "nuevo" y de que ora si, es la neta de las netas porque el mismisimo Storm rediseño los empaques.
Pero ahi no para la cosa: Para este lanzamiento, se diseño una estrategia de marketing consistente en varias configuraciones de venta; tal y como sigue:
+ Discovery: Que es la más "sencilla" y es la venta separada de cada disco, en un empaque sencillo de cartón y como "plus" esta la edición de una caja conteniendo los mismos discos más un libro con algunos diseños diferentes y sketches del señor Thorgeson.
+ Experience: Que es la versión con extras de tres discos emblematicos del grupo: The Dark Side Of The Moon, Wish You Where Here y The Wall. Estas ediciones tienen la particularidad de venir con un disco extra en vivo y algunas "rarezas"
+ Immersion: Las mismas obras que la edición Experience, pero en ediciones de superlujo que contienen más discos extra, DVD y Blurays y parafernalia del grupo que va de lo exquisito a lo ridiculo... o hay alguien que se muera por tener unas "canicas" o portavasos de Pink Floyd?.
Hasta aquí podría sonar razonable el editar el catalogo del grupo. Sin embargo, esta reedición se suma a la de hace dos años; la famosa "Oh By The Way" que eran los mismos discos, en versión "mini-lp" donde se reproducia en miniatura cada detalle del disco de viny original o la mitica caja "Shine On" de 1992, que fue el primer box set de PF.
Otro aspecto que demerita mucho esta nueva entrega de discos, es que el mentado "nuevo arte" de los empaques, no es más que un refrito de los remasters del 2002 del catalogo del grupo y que, en honor a la verdad, están bastante feitos.
La campaña publicitaria usa el lema "Why Pink Floyd?" y verdaderamente, al final te quedas preguntando efectivamente eso, pero con otra entonación y razón: ¿Porqué Pink Floyd? ¿Porque quieres nuestro dinero? ¿Porque nos atormentas con nuevas "ediciones" que no aportan nada más que unos pocos tracks ineditos, algunas grabaciones en concierto y... nada más?
Sin embargo... pues si: Así como el señor Smithers, muchos hemos caido en las garras del consumismo y nuestra obsesión por tener "todo" de nuestros grupos favoritos y ya esta, dentro de nuestros estantes, las cajas Discovery y el primer volumen de la configuración Immersion del Dark Side Of The Moon.... que se junta con la versión "Experience" y se une a la decena de versiones que se sumaran, seguramente, a la edición del 40 aniversario que seguramente, saldrá para 2013...
En fin! resumiendo: Si les gusta Pink Floyd y no tienen algún disco de ellos, esta es una buena oportunidad para acercarse a su obra que tiene momentos brillates, pero otros bastante malos; ahora que si ya tienes los discos; solo te recomendaria el remaster del TDSOTM que vale la pena por la calidad del remaster... ahora que si eres aferrado... pues compra las versiones Immersion y por primera vez, date cuenta que la mezcla de Alan Parsons de TDSOTM es como para morirse de la risa... que bueno que la desecharon!
Hasta antes de los ochentas, el mundo de la música grabada estaba monopolizado por las grandes compañías de discos debido a que, en su momento, entre los músicos profesionales la creencia de que pertenecer al elenco de EMI, Columbia, BMG y Phillips o alguno de sus subsellos como Island Records, Arista, Parlophone (entre otros) era la clara muestra de que habían triunfado, creativa y económicamente.
Sin embargo, esto no era sino un espejismo. Muchos grupos y solistas tuvieron (y tienen actualmente) que lidiar con ejecutivos cuyo principal interés no es propiamente el arte; sino las ganancias que se pueden obtener del mismo.
De ahí que, el "modelo de negocio" de estas compañías incluía, además del apropiarse de la comercialización de las obras musicales, los derechos y ganancias de su difusión, la organización de conciertos, el management de los artistas e incluso la apropiación a perpetuidad de gran porcentaje de las regalías de los discos y canciones de sus "artistas".
Este fue un modelo exitoso considerando que hasta finales del setentas y principios de los ochentas, la piratería de música no representaba un riesgo para las compañías de discos; considerando que, los medios masivos de reproducción industrial ilegal de sus materiales era costosos y se reducían, en todo caso, en maquiladoras de discos de vinyl. A nivel doméstico, el casete de audio no representaba tampoco una amenaza debido a las propias limitaciones del medio.
De ahí que, en esos años, se volvió una situación común el que artistas alcanzaran ventas de 500 mil o hasta un millón de copias vendidas de sus álbumes. El clímax de esta "época dorada" de las grandes compañías de discos lo tuvo con la venta de más de un millón de copias (ha su salida) del álbum "Thriller" de Michael Jackson.
Sin embargo este apogeo fue el proverbial "canto del cisne" de las compañías de discos.
El Compact Disc no es, como mucha gente piensa, un invento ochentero. El desarrollo data aproximadamente desde principios de los setentas, pero no es sino hasta 1979 cuando se da a conocer. Este nuevo soporte para almacenar música tardo algunos años en ser del interés en las compañías de discos. Phillips y Sony desarrollaron la tecnología necesaria para su producción en masa, pero no fue sino hasta 1980 cuando la industria discográfica encontró atractivo el potencial de comercialización de los CD y empezó la producción, comercialización y uso a gran escala de los discos compactos.
Una cosa conduce a la otra... las ventajas competitivas del Compact Disc fueron también la razón de un aumento (primero) de las ventas de grabaciones piratas y ya a finales de los ochentas, con el boom de las computadoras personales y sobre todo, de la creación del CD grabable llegó la notoria caída en las ventas de discos.
Con el arribo masivo del internet y sobre todo con la posibilidad de intercambiar archivos conteniendo música (y posteriormente videos) de manera comprimida forzó a las compañías de discos a asumir que su reino estaba viendo su fin; tratando desesperadamente de subsistir a través primero de la fusión de compañías (BMG-Ariola); rematadas al mejor postor (Columbia Records es comprada por ... SONY!... la misma compañia que ayudo a crear el CD y a comercializar los quemadores ... de CD!) o de plano, a adelgazar sus estructuras administrativas o, como en el caso particular de EMI, viviendo de las ganancias que generan los discos de The Beatles y Pink Floyd (que ese será tema de otro post).
Ante este panorama tan negro, también las compañías disqueras deciden tomar acciones legales contra los que (suponen) son los promotores de su debacle. En los noventas, es emblemático el litigio contra Napster y después, a manera de ejemplo, contra usuarios particulares, como cierta madre soltera que fue demandada por varios millones de dólares debido a que su hija descargó varios cientos de canciones "de manera ilegal".
Otras acciones que aun están en discusión, son las controvertidas medidas que se planean introducir con el ACTA (Anti-Counterfeiting Trade Agreement) o "Acuerdo Comercial Anti-falsificación" que pretende, entre otras cosas, el que los proveedores de Internet (a solicitud de "una autoridad competente") puedan escanear el contenido de las computadoras personales en busca de archivos "piratas".
Sin embargo, aun y con que la mayoría de las descargas "ilegales" que se dan en la red no tienen un aparente fin de lucro han decidido enfocar sus baterías en ese sector, más allá de la verdadera piratería que en el comercio informal tiene su principal enemigo y que, curiosamente, siendo este más evidente, poco o nada se hace al respecto.
Es irónico que el desarrollo tecnológico, uno de los pilares del "capitalismo salvaje" (a según de algunos) sea también el que esté dando la estocada final a una industria que hizo de la música un negocio y al arte en una "industria del entretenimiento".
Alguien, hace tiempo, me compartía sus fantasías sobre "que harían los Beatles ahora si hubiesen continuado, como grupo, juntos..." - Ah! ¿te imaginas? - me decía mi amigo con una emoción que rayaba ya en el éxtasis mismo; como si en su mente estuviera asistiendo al "The Beatles México Tour 2011". Seguro para él y para muchísima gente en el mundo, este hubiese sido su "sueño dorado" donde verían a John, George, Paul y Ringo; "El Cuarteto de Liverpool" (como rezaba el slogan de "la hora de los Bicles" en Radio Éxitos) posiblemente arriba de un escenario que simularía (para esta hipotética gira 2011) el tejado de las oficinas de Apple en Saville Row, o algún set parecido a la portada del Sargento Pimienta... o todas esas cosas a la vez; cortesía de los más avanzados gadgets en luz y zumbidos disponibles; y también, es posible que gracias a esa maravilla que es el "auto-tuning"; nuestros heroes de Liverpool, sonarían igualito de afinados como siempre y como núnca.
Por desgracia (o fortuna, a saber) esto es algo que, al menos en esta vida, jamás veremos (por obvias razones) y de igual manera, eso nos salva del horrible trauma que causa ver a nuestros ídolos, decrépitos y faltos ya de energía, tratar de revivir viejas glorias de tiempos remotos y felices en escenarios donde, la mayor parte de las veces, la tecnología es el gran protagonista que hace ver (y oir) a nuestros músicos, en el mejor de los casos, como una parodia de ellos mismos.
Y esto viene a cuento porque, en las tierras de la pérfida Albión, se rumora cada vez con más insistencia sobre la "última gira mundial" de los Rolling Stones; donde, por supuesto, dentro su staff, viajará su "gerontólogo de cabecera"... y este no es sarcasmo: Es una realidad que desde su anterior gira, han tenido que hacer. El destino por fin alcanzó a los Stones y con una ironía que raya en lo profético, es posible que esta gira sea nombrada "Steel Wheel Chair"; como, a manera de broma, apareció en el capítulo "la boda de Lisa" de los Simpsons.
Como es previsible, la gira generará millonarias ganancias para el grupo, promotores y demás fauna nociva asociada al grupo (incluyendo a los dealers de Ronnie Wood) y será, quizás, el último capitulo de la saga Stoniana (ojalá!) Sin embargo, el caso de los Stones podría ser de los pocos donde su regreso genere tales expectativas e ingresos.
Hay otros casos de "ruqueros" (sic) que han regresado de ultratumba para espantarnos con su ajado aspecto para demostrarnos que el tiempo no perdona y otros que, aunque nunca se han ido, parecería que entraron a una especie de pirinola de la "dimensión desconocida" donde algunos salieron con la frente marchita pero con su dignidad intacta y otros que lo que menos le podríamos desear, es que se fueran al retiro donde, a fuerza de nostalgia inducida, siempre estuvieran igualitos a como los recordamos.
Y a manera de ejemplo, aquí les va un recuento de algunos "reencuentros" y de otros idolillos que aun andan por el mundo del rock dando (algunos, no todos) más pena que gloria.
Amonos recio!!!
+ Devo. La epoca de más fama de este cuarteto de Akron, Ohio fue a inicios de los ochentas y principalmente por su éxito “Whip It” y su sexista video que lo acompañaba. Los Devo de verdad generaron un “culto” entre sus leales fans y por supuesto, su influencia llegó incluso al cine (recuérdese el dialogo de Marty McFly y Doc Brown cuando este porta un traje “antiradiación”). Sin embargo el éxito fue efímero y después de algunos álbumes mas (algunos de ellos bastante mediocres) el grupo se desintegró; volviéndose a juntar en 2010 para sacar el excelente “Something for everybody”; el cual ha recibido muy buenas críticas tanto de la prensa "seria y amargada" como de la "indie"; principalmente porque Devo no suena anticuado y, por el contrario, ha actualizado su sonido de tal manera que sin perder su esencia, suena actual y “fresco”… cosa que no se puede decir de sus integrantes, los cuales por lo que se ve, necesitarían una tratamiento extremo con el Doctor del Villar para dejarlos (al menos) presentables a las cámaras y si no me creen, vean estas fotos:
Asi eran... tan nerds y tan guapos a la vez...
Pero...
Así están ahora... digo! con un poco de "amorz" se siguen viendo igual, que no???
+The Who. Según cuentan las malas lenguas, el hecho de que los Who sigueran como grupo despues de la muerte de Keith Moon (su baterista original) fue porque los demás integrantes tenían serios problemas economicos que y pues... no modo! el muerto al hoyo y el vivo al bollo! Igual situación se repitio con la repentina muerte de un pasón de cocaina de John Entwistle (su bajista), pocas horas antes de comenzar su su gira gringa de 2002. Como ya todo estaba montado y preparado, en lugar de cancelar la gira, decidieron seguir... y seguir y seguir hasta nuestros días, donde de un momento a otro, se anunciará la siguiente gira de los Who con lo que resta del grupo. Pete Townshend es (y será) uno de los maestros de la guitarra roquera de todos los tiempos; aunque ya sus capacidades están seriamente afectadas por una sordera tipica de los roquers. En cuanto a Roger Daltrey (el cantante del grupo) poco queda ya de quien, junto con Robert Plant de Led Zeppelin, eran la encarnación viva de los "Dioses del Rock"... sexis, varoniles y androginos a la vez y con una personalidad que derretia por igual a mujeres y hombres.
Como reclamo personal, yo, como muchos fans de The Who en México, no les perdonaremos que hayan cancelado su primera presentación en tierras mexicanas en 2006... quesque porque a Daltrey le dio catarro!... (las razones fueron otras y ya habrá otro espacio para comentarlas)
Así eran los Who... pura potencia roquer!!!!
Y así quedaron despues de haberse metido toda Bolivia por las narices y por las consecuencias de haber ganado el record guiness al concierto mas ruidoso de Rock de todos los tiempos!
+ Ultravox. Además de The human League, OMD, Gary Numan y los jotisimos integrantes de Soft Cell, Ultravox comparte el honor de ser una de las bandas pioneras de la mezcla de sonidos pop y rock con sintetizadores. La banda existía desde los remotos principios de los setentas, pero no es hasta cuando corren a su vocalista Jamie Foxx y entra el chaparrin Midge Ure que la historia de Ultravox se endereza y se convierten, durante la primera mitad de los ochentas, de ser una bandita de culto bastante gris a encabezar festivales europeos y a cosechar exitos con su popcito sabroson de sintetizadores.
Sin embargo, nada dura y mucho menos, un grupo de rock y Ultravox empezó a dar bandazos tales que para 1987 ya estaban practicamente acabados y en 1989 la banda original se desintegra, reformandose brevemente con algunos nuevos integrantes durante algunos toquines en los 90's, pero sin nada particular que destacar, hasta que cuando la nostalgía (o la falta de billete a saber) hace el "milagro" de reunir de nuevo a los integrantes originales de Ultravox para una serie de conciertos durante 2009; mismos que quedan "inmortalizados" en un album doble y un DVD editados en 2010 bajo el nombre de "Return to the Eden" el cual nos demuestra que el tiempo no es para nada benevolo con los rockstars... sobre todo, los ingleses... en fin! jusgue usted mismo:
Autos, moda y Ultravox... guapos y con fama ... ah los ochentas!
pero ... tomela Don Cuco! .... en 2009 nada queda de esa belleza, de esa vanguardia en la moda... aunque... son Ultravox! y eso es suficiente... o no?
+ Deep Purple."esomc on de guater.... an fair in de escai!!!" .... a ver: ¿Quíen no ha cantado alguna vez estas memorables letras y jugado a la "guitarra de aire" tratando de imitar las pisadas del inmortal riff del jetas malgeniudo de Richie Blackmoore? o al menos, la tarareó al estilo Beavis & Butthead? Creo que todos, alguna vez, hemos sentido la necesidad de hacer nuestra esta canción que, de igual manera, fue el comienzo en la religión del "Dios Rock" porque, a ver; diganme si no, esta canción, sin saber quizás un pito de lo que habla, es (y seguira siendo!) junto con Purple Haze, Paranoid y Whole Lotta Love parte esencial del soundtrack de nuestras vidas.
Sin embargo, el catálogo de éxitos de Deep Purple es amplio y variado. Tan variado como sus famosas alineaciones (que ellos mismos bautizaron como "marks") y que la más famosa y exitosa es la "Mark II" que incluia a Blackmore, Guillan, Glover, Pace y Lord y que es la que grabo el ultrafamoso "Machine Head" de donde sale la canción comentada.
Pero como dicen, nada dura para siempre y por esas cosas de la vida del rockstar promedio (más una dosis de mamoneria y neurosis) los Purple se movieron de una alineación a otra y no siempre con los mejores resultados y bueno! desde el lejano 1968 hasta nuestros días, los "Dipurpul" nos han dejado no solo canciones estupendas, sino la viva imagen de que el tiempo no perdona. Y si, aun andan por ahí, en su encarnación IV; dandole la oportunidad a nuestros padres de ponerse su chamarra de cuero para decirnos a nosotros que "esos si son grupos! no chingaderas ñoñas!"
Ora, juzgen ustedes (a los Purple, no a sus papas):
Así eran en el 68... lo útlimo en outfit para el roquer de moda sesentera!
... Y así se ven hoy ... (si su papa se parece a uno de ellos; Que no les de pena!!!)
+ Los Caifanes. Ya mucho se ha hablado de las anécdotas caifanescas sobre sus pininos dentro de la incipiente escena del mal llamado "rock en tu idioma" y de como, a fuerza de su pinta de "sepultureros jotos en acido" fueron rechazados y desalojados de varias salas de espera de ciertas compañias de discos; las hasta el día de hoy se estarán lamentando de su mala decisión.
Sin embargo, la misma fuerza que hizo que los Caifas llegarán a la cima de la popularidad, fue la misma que los aventó de cuernos a los abismos más culeis a los que puede llegar alguien que se asume como el cerebro, corazón, tripas y (si me apuran) hasta el "culo" de un grupo (por esa analogía de que es por ahí por donde se tira la mierda) y así, un día de 1995, lo que queda de los Caifas se disuelve para dejar a muchos llorando al oir sus discos y con la nostalgía de no haberlos visto nunca tocar en vivo.
Pero como todos saben, nada es para siempre... y cuando de billete se trata, pues hasta los más rancios odios se disuelven y voila! los Caifanes se reunen! Lo que iban a ser solo "dos presentaciones" (una en el Vive Latino 2011 y otro en Coachella) se convirtió, de repente, en una gira nacional con muchisimas fechas donde solo les faltó incluir el Centro Civíco de Ecatepunk... en fin! que para quienes se quedaron fuera del Vive Latino... chavos! esta es su oportunidad de que dejen, de una vez por todas, sentirse humillados por sus carnales mayores (esos que trabajan de tinterillos en oficinas de gobierno) y digan con orgullo: Yo si vi a los Caifanes en vivo! ... bueno! al menos lo que queda de ellos...
Así eran los Caifas, en esos aciagos días de 1987 ...
Y así están ahora ... ok, para que el efectó no los traume, cuando vayan a verlos, solo cierren sus ojitos e imaginense en el Rockotitlan...
Por supuesto que hay más momias, zombies y Dorian Grays de Botox y autotune circulando por ahi y que por supuesto, no es nada remoto que los seguiremos viendo por la tierra hasta que literamente, se desintegren frente a nuestros ojos ...
Hace unos días me acordaba que, el año pasado (o fue hace dos?) el tema de los Emos estaba más que candente debido a las famosas madrizas que les propinaron a algunos especimenes de esta "tribu urbana" (sic) en varios puntos del Distrito Federal y en algunos estados de nuestro país; mismos eventos que se sumaban a la cada vez más creciente ola "anti-emo" que se vivía por esos tiempos en todo el mundo.
Según mis propias conclusiones, el odio se debía principalmente a que la pinta de los emos se robaba muchos de los trapos, peinados y maquillajes de los goths, darkis y punks y (lo que es "pior"!) los hacia ver mas maricas que lo que en realidad eran. "Jotipunk" fue un termino que en algún momento acuñe para nombrar el look de estos tipos que, además de todo, se desvivián por ver quién tenía la actitud más depresiva que pudiera, incluso, hacer palidecer al mismisimo Robert Smith y sobre todo, jugarle al "desadaptado" para hacerse el interesante proclamando a los cuatro vientos que "la vida es una mierda y que solo el dolor los hacia sentirse vivos".
Más o menos esa era la propuesta "estetica y de principios" (por ponerle un nombre) de los Emos y por supuesto que tuvo tal éxito que, como todas las cosas en este mundo, los anunciantes le encontraron "la cuadratura al círculo" y "la moda emo" llegó para quedarse sus warholianos 15 minutos de fama; donde sus fieles seguidores se prometieron "ser Emos" de aquí a la eternidad... o al menos, hasta que llegara "la siguiente moda" y con esta, otros trapos y otras fachas.
Y bueno! la eternidad del Emo duró hasta hace relativamente poco, porque como todo lo que es "para siempre" generalmente caduca poco despues de su nacimiento; así el "movimiento Emo" pasó a la historia para darle paso a la siguiente moda juvenil:
SEÑORAS Y SEÑORES! HETEROS Y JOTITAS JOVENES CON USTEDES!!!!!....
LOS HIPSTERS!!!!
Bueno! los hipsters son relativamente "nuevos" en la escena mexicana y estuvo reservada para los "niños bien" que adoptaron "el hipster style" de sus continuas visitas a Nueva York, Paris y otras capitales cosmopolitas.
De hecho, el termino no es nuevo y se podría rastrear hasta los años cincuenta, donde escritores como Jack Kerouac ponían de moda la visión desangelada de una sociedad consumista y opresiva que sin embargo, dentro de su mundanidad y estrechez, tenía cierto atractivo estético que podía ser apreciado desde la pomposa pose de "intelectualizarla" y en consecuencia, generar códigos que identificara a quienes apreciaban la "belleza" de lo corriente y ordinario; sea este a través de como se viste, como se piensa y sobre todo, de como se interpreta la relidad común y corriente... pose, pues.
Sin embargo, el Hipsterismo ha derivado en nuestros días a una moda que identifica a quienes la siguen más por su forma de vestir y una pretensión de "querer ser diferente" que asemeja más a una revancha del "nerd look" a una verdadera corriente de pensamiento que de alguna manera, se asemeja al postmodernismo de la generación "X" de los noventas del siglo pasado.
La masificación de los medios electronicos de comunicación y la inmediatez de tener lo que esta a la moda a la mano, ha generado una distorsión del termino hipster dejandolo solo como "moda" con cierto toque intelectualoide; de tal manera que el hipster promedio solo le interesa prentender: Prenteder que es intelectual, pretender que viste a la moda y prentender que eso lo hace diferente.
El hipster retoma, a su manera, la idea de que "vestirse sin pretenciones, el cool" y va y compra sus trapitos en bazares y tianguis o, en tiendas donde el "naco chic look" ya está presente. De igual manera, los hipsters siguen a banditas "indies" que puedan aportarles algo de "intelectualidad" (como Austin TV) y de igual manera, se la pasan hablando de libros y peliculas antiguas... mismas que solo han asimilado en resumenes en blogs y paginas de internet sin siquiera haberlas visto o leido alguna vez.
De igual manera, el hipsterismo de alimenta de lo "cool" que representa el adoptar el "look chic" de peliculas antiguas y de artefactos pasados de moda, como lo son los discos de vinil, las camaras fotograficas analogas y en general, el buscar en el pasado elementos para ser "diferentes". Es decir, para el hispter, lo importante es "ser" y aparentar un aire casual de intelectualidad... pero bueno! eso no sería pecado de no ser porque es una total pose.
Y como este post no ses trata de tirar calabaza a quienes son (o pretenden ser) hipsters, terminamos el mismo con una guía grafica, cortesía de el sitio "Diario de fiestas" que sin proponerselo, se convirtió en el escaparate de como se ha adoptado esta moda en nuestro pais.
¿Como clasificar un evento de la magnitud de The Wall, en su reposición actual, por parte de su creador Roger Waters? Es dificil ya que, por un lado, aunque la musica es practicamente la misma en la parte de arreglos e instrumentación (al igual que las letras) a las del album original, el contexto de la obra ha cambiado al punto de que, ingeniosamente, la paranoia y enajención de Mr. Pink se convirtieron una metafora del un mundo globalizado, deshumanizado y sobre todo, presa de la tecnología que como invisible pared nos rodea y aisla. Si el iLOQUESEA es la constante de esta nueva suerte de cultura pop digital, luego entonces, es valido el que se convierta, para bien o para mal, en el zeitgeist que en todo momento, se refleja en la monumental pantalla en que se convierte el escenario a medida que el muro se va construyendo.Impecable en su ejecución; impresionante en espectaculo, pero sobre todo, congruente en el salto mortal que representó dejar de lado el concepto original del album, intimo y personalisimo, para convertirse en algo universal y contemporaneo hacen de este espectaculo una experiencia sensorial altamente sofisticada, pero a la vez, directa en el mensaje que desea transmitir.
Desde su visita pasada, donde presentó de manera integra The Dark Side Of The Moon, Roger Waters ha dejado claro que EL (así, en mayúculas) es Pink Floyd y aunque por cuestiones legales, no pueda usar el nombre de la banda que junto con Syd Barret fundó, si puede generar aun esa sobrecogedora sensación que emana al escuchar un disco de Pink Floyd... aun sin la guitarra maestra de David Gilmour.
Y es quizás este recuerdo imborrable sea lo que quedará en los pocos afortunados que tuvimos la oportunidad de ver este espectaculo en nuestro país aunque, paradojicamente, la mayoría del respetable publico solo se quede con la imagen de lo grandote del espectaculo y no en la intención del propio mensaje que através de sus proyeccciones visuales, pone el dedo en la llaga de la alineación que los medios, la religión y el consumismo provocan en todos y que eso, es nuestra pared real y virtual. Y es que, como suele suceder, quienes asisten a este tipo de espectaculos, no son necesariamente quienes más conocen al artista y su obra o, como en este caso, muchisima gente pensó que se trataba de "PInk Floyd-The Wall" (sic) y jamas reparó que se trataba solo del ex bajista y cantante del grupo en cuestión... porque estaban mas ocupados en seguir haciendo vida social dentro del recinto y solo se emocionaron y se sintieron "roqueros" (como todo y mano haciendo cuernitos) cuando sonó "Another Brick In The Wall (part 2)" y uno que otro momento "prendido".
Al final, estos mismos villamelones dizque roqueros fueron los mismos que se deslumbraron con lo grandote del escenario, la pirotecnia, las pantallas y la parafernalia del escenario y que, por supuesto! jamas se dieron cuenta del contexto de toda la obra.Como dato curioso y que ilustra el punto, está esta anecdota: En el concierto del 19, una pareja madura se ofendió desde la primera parte del espectaculo porque pensó que se trataba de una apología del Nazismo... aunque decidió quedarse todo el concierto porque "estaba bien bonito el espectaculo".
El concierto, como tal, fue la presentación integra de "The Wall" más un improvisado "encore" al final del mismo, donde Waters y su banda, reinterpretan "Las Mañanitas" ... con la tonada de "Another Birck in The Wall (part 2)". A según del propio Waters, la canción la aprendió en alguna reunión que tuvo la noche del sábado 18, al final de su primera presentación en el DF y decidió agregarla como un toque de gratitud hacia el publico mexicano en las dos fechas siguientes.
Y es que si algo tiene el publico mexicano, es que sabe "ganarse" la gratitud de los artistas que se han presentado en nuestro país... cuando tiene ganas de hacerlo.
Finalmente, sería trivial describir en palabras lo que sucedió en el escenario, por lo que en este caso, las imagenes podrían ser más elocuentes; así que aquí les dejo algunas fotos de los conciertos del 19 y 21 de diciembre. (fotos cortesía del RBD Boy y su marido)
Parte 3: This is the end...
